Más de 70 filmes en el Festival de Cine de Todos Santos en Baja California Sur

Como uno de los eventos que más se han fortalecido en los últimos años, el Festival de Cine de Todos Santos festeja su undécima edición con más de 70 proyecciones y la presencia de Gonzalo Vega y Juan Pablo Gil con la cinta Nosotros los nobles; la actriz española Esther Regina, con el filme 2 francos, 40 pesetas, y Rafael Amargo, director del documental El amor amargo de Chavela, un filme testamento de la cantante mexicana Chavela Vargas.

España será el país invitado en esta edición, por lo cual la Embajada de España en México traerá al director Rafael Amargo, a la actriz Esther Regina y a Javier Espada, director Centro Buñuel de Calanda.

Silvia Perel, organizadora y fundadora del evento, explicó que durante nueve días, el Festival de Cine de Todos Santos llevará a la comunidad lo más relevante de la cinematografía nacional e internacional.

El programa abarcará desde conferencias con cineastas, productores y actores, presentaciones de documentales, cortometrajes y largometrajes.

Dentro de la oferta del festival, resaltan los estrenos de Maguey, película de Francesco Taboada, y el documental realizado por estudiantes del programa Jóvenes en Video, Los Trapiches de Todos Santos, proyecto que caracteriza a este festival, por la realización de películas propias, que han merecido considerar al proyecto como la primera escuela de cine en Baja California Sur, por su formación de niños y adolescentes en la creación cinematográfica.

La cinta muestra el pueblo mágico y el auge de la industria azucarera a principios de los años veinte.

“Queremos funcionar no sólo durante el verano con jóvenes y niños, sino durante todo el año con toda la población. Tendremos actividades cinematográficas en nuestro teatro, el cual estará abierto para una cantidad de oportunidades de educación cinematográfica a nivel primario, secundario y universitario”, precisó la promotora.

Agregó que el festival tiene vida propia y abastece a una población demandante de buen cine, que tiene como única fuente de cinematografía a este evento, lo cual ha determinado que tenga un crecimiento muy importante, en una población interesada por la tecnología, el cine y el video.

El Festival de Cine de Todos Santos surgió por la falta de difusión y proyección del cine internacional y nacional en la región. Debido ello, Silvia Perel, también crítica de cine, que organizaba desde 2003 el Festival de Cine Latino en San Francisco, California, decidió hacer una extensión de ese festival a Todos Santos, con el fin de fomentar el quehacer cinematográfico en la región.

Para mayor información sobre los eventos del Festival de Cine de Todos Santos puede ingresar al sitio web www.todossantoscine.org

Fuente

http://www.conaculta.gob.mx/detalle-nota/?id=32338&vi=1#

"Cesar Chavez" película dirigida por Diego Luna se presentó en la Berlinale

El sábado 15 de febrero, finalizó el Festival de Cine de Berlín, en este evento Diego Luna presentó su más reciente película como director. Presentamos la entrevista que le fue realizada por Deutsche Welle:

César Chávez, de Diego Luna, fue uno de los 18 largometrajes invitados a participar en Berlinale Special, que, junto con la sección de competencia, conforma el programa oficial de la Berlinale. Protagonizada por los actores Michael Peña, Rosario Dowson, América Ferrera y John Malkovich, se trata del tercer largometraje que dirige Luna tras el documental sobre el boxeador mexicano JC Chávez y luego de su aplaudido debut en ficción, Abel.

DW: ¿Por qué decidió hacer una película sobre la historia de César Chávez?

Diego Luna: Porque me encontré con que nadie la había contado, hasta me indignó un poco. Paso mucho tiempo en California y la gente conduce por una avenida que se llama César Chávez. Muchos no saben ni quién es. Estados Unidos es un país que celebra mucho las historias de sus héroes, historias excepcionales que motivan y que inspiran. La historia de César Chávez no se había contado y habla mucho de por qué en ese país hay esa contradicción tan brutal. La comunidad mexicano-americana es muy grande y no está reconocida. Hay una reforma migratoria sobre la que se sigue hablando, pero no ha llegado. Es una realidad muy incómoda para muchos, que explica por qué no se ha contado esta historia.

César Chavez

¿Hizo usted justicia al reivindicar la figura de César Chávez?

Por venir de México, yo no tengo ese conflicto. Si bien tengo alguna conexión con la comunidad mexicano –americana, no crecí ahí. No fue mi realidad. La fui descubriendo, la fui investigando. Ellos me recibieron muy bien, California ha sido un lugar al que voy mucho, al punto de que mi primer hijo nació ahí, es mexicano-americano, es parte de esa comunidad y yo también me siento parte de ella y siento la responsabilidad de contar una historia que la represente fielmente.

¿Cómo espera usted que sea recibida la película en México?

También en México hay muchos prejuicios sobre la comunidad mexicano-americana y hemos dejado que esa frontera nos divida, cuando hay tantas cosas que tenemos en común. Hay una conexión que no podemos negar y no debemos permitir que esa frontera nos haga ignorarla. La historia de César Chávez tiene que ver con la historia de México. Incluso yo mismo tenía una cantidad de prejuicios enormes sobre lo que es un mexicano-americano y por eso espero que esta película nos termine de acercar. Es un tema universal sobre una comunidad que aparentemente era muy débil y desmembrada y que eventualmente encontró en la unidad un poder y una fuerza que les ayudó a promover un cambio a través de un movimiento que promovía la no violencia y las ideas.

¿Qué deja la cinta al espectador, son necesarios muchos César Chávez dada la terrible situación que enfrentan los inmigrantes mexicanos?

La lección que cuenta la historia es muy clara. Esta comunidad, en lugar de atacar frontalmente a una industria de la cual estaban siendo víctimas, lo que hicieron fue buscar un contacto con el consumidor. Hablar con los consumidores que hacen esa industria poderosa y cuestionarlos sobre si verdaderamente quieren empoderar a esa industria. Hacerles ver que, para que sus hijos se coman unas uvas en la escuela, hay otros niños que no pueden ir al colegio porque están trabajando en la vendimia. Apela a la responsabilidad ciudadana. Yo lo comparo con el cine. Cada vez que tu compras un boleto para entrar al cine, celebras la producción de cine, la voz de ese director, cuando uno ejerce ese poder tiene que hacerlo con responsabilidad y para mí eso es un ejemplo para cualquier comunidad que anhele un cambio. El cambio está en nosotros y, si tenemos esa necesidad, probablemente allá afuera haya alguien que nos quiera escuchar.

La relación entre México y Estados Unidos es problemática históricamente, pero ¿no estará condenada a seguir siéndolo por razones geográficas?

Es la frontera más larga entre un país pobre y un país poderoso. Pero yo creo que las fronteras dejarán de representar lo que hoy representan. Es tan absurdo pensar que un pasaporte determina quién eres, de dónde vienes... Recuerdo un día que me moría de hambre y quería comer unas quesadillas. En el lugar en el que las pedí cocinaba una señora mexicana. Me las sirvió un coreano que era su marido. Iban a tener un hijo al que le gustarán las quesadillas tanto como a mi. La identidad y el de dónde eres es algo muy complejo. Tal vez levanten un muro gigantesco, pero no podrán contener la identidad de Latinoamérica y su crecimiento y el anhelo de cambiar su realidad.

¿Cómo fue la selección del elenco?

La idea era representar esta comunidad y me encontré con que todo el mundo entendía la importancia de esta película. Pocas veces te encuentras ante la situación de que todos tienen una urgencia porque la historia se cuente. No tuve que hacer ninguna labor de convencimiento. Todos los actores estaban ahí, listos para hacer la película. Además, la industria en Estados Unidos da muy pocas oportunidades a esta comunidad de ser parte del cine que se hace en ese país, vive muchos en los estereotipos. Hicimos un open call y hablamos a compañías de teatro, de radio. El proceso de selección fue larguísimo y, por suerte, encontramos actores que entendieron perfectamente quién era su personaje, que entienden la historia de sus padres. Michael Peña es ciudadano de primera generación, su papá nació en Purificación, Jalisco. Michael nació en Chicago y vive esta dualidad, una realidad muy parecida a la de César Chávez sólo que varios años después.

¿John Malkovich hizo casting?

No (ríe). John ya era mi productor desde Abel, después hicimos una obra de teatro en la que yo actué y él dirigió, luego llevé a México una puesta en escena en la que él actuaba... En fin, hemos estado trabajando juntos desde hace mucho tiempo. Esta vez le pedí a John que actuara en la cinta. Él es muy cercano al personaje, (líder de los terratenientes), su abuelo llegó de Croacia, así que cuajó muy bien en esta historia de inmigrantes.

Ficha de la Película en IMDB

http://www.imdb.com/title/tt1621046/combined

Publicado en:

http://www.dw.de/c%C3%A9sar-ch%C3%A1vez-aclamada-en-la-berlinale/a-17435695

"Dune" la película que cási realiza Jodorowsky (Tráiler)

"Mi ambición era tremenda. Quería hacer algo sagrado, una película que diera las alucinaciones de LSD... sin tomar LSD. Una película para cambiar las mentes jóvenes de todo el mundo". Esta es la carta de presentación del propio Jodorowsky que a medidados de los setenta afrontaba el reto de llevar a al gran pantalla la popular novela de Frank Herbert, "la bíblia de la ciencia ficción".

Alfonso Cuaron gana BAFTA a Mejor Director (Video)

Lista de los Ganadores del BAFTA en Cinematografía 2014
http://jighinfo-cultura.blogspot.mx/2014/02/ganadores-del-bafta-2014-cuaron-gana.html

Ganadores del Bafta 2014, Cuarón gana como mejor Director, Lista Completa

"Gravity", película dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón, gano 6 premios BAFTA; Dirección, Música Original, Filme Británico, Sonido, Efectos Visuales. El sexto galardón fue para el también mexicano Emmanuel Lubeski, por la cinematografía. 

"Güeros" del mexicano Alonso Ruizpalacios gana el "BEST FIRST FEATURE AWARD" en la Berlinale

Productor Ramiro Ruiz y Director Alonso Ruizpalacios

La película mexicana “Güeros” ganó hoy el premio a la Mejor Ópera Prima, que se otorgó en la Berlinale, el festival internacional de cine de Berlín.

El día de su proyección hace una semana en la sección de Ópera Prima, fue ovacionada a su términoo por el público asistente, en el que se mezclaron expertos y críticos.

“Güeros” es un “road movie”, donde los protagonistas apenas logran moverse del Distrito Federal (México). Es una película que homenajea la “Nouvelle vague” francesa, también en la elección del blanco y negro.

El acontecimiento que desencadena la historia es el lanzamiento de una bomba de agua hacia un carrito de bebé. El autor del chiste es “Tomás”, quien observa desde el techo de un palacio.

IMCINE
http://www.imcine.gob.mx/peliculas/5502

Para su madre esto es demasiado, ya no puede aguantar el carácter vivaz de su hijo adolescente y lo invita entonces a hacer las maletas e irse a vivir con su hermano “Fede” al Distrito Federal.

Es la Ciudad de México en 1999, “Fede”, quien es conocido con el nombre de “Sombra” por parte de sus amigos, vive en un edificio popular junto a su colega “Santos”. La historia está enmarcada por la huelga de la Universidad Nacional Autónoma de México.

“Tomás” se trajo consigo una cinta de música. Es un objeto dejado en herencia por el padre fallecido con música de Epigmenio Cruz, quien según la leyenda "hizo llorar una vez a Bob Dylan".

“Hay dos razones desde donde viene esta historia: una es que soy fan de Bob Dylan”, dijo el director del filme, Alonso Ruizpalacios, al cierre de la película.

La otra razón “es que cuando buscas un héroe y al final lo encuentras nunca es como te lo esperabas”, añadió.

Al director le pasó una experiencia parecida, como fan de teatro, cuando después de una obra esperó para poder saludar al director Peter Brook, “cuando finalmente llegó, sólo pude decirle 'gracias', y él dijo 'gracias'”, recordó.

Acerca de por qué decidió rodar en blanco y negro, aseguró que fue “por instinto”, cuando escribía el guión siempre se imaginó que fuera así.

“Sin embargo frente a los productores tuve que inventarme razones validas para hacerlo así”, admitió.

“Creo que quería apartarme del estereotipo de la capital mexicana como ciudad de colores”.

Asimismo, explicó que se trata de una historia ambientada en 1999, “pero no teníamos el dinero para reconstruir la época y el blanco y negro te permite hacerlo, situar la historia en un espacio sin tiempo”.

Para ver la premiación, desde el minuto 14

http://www.berlinale.de/en/HomePage.html 

BEST FIRST FEATURE AWARD, 

Güeros 

by Alonso Ruizpalacios 

Textos: MVS Noticias
http://www.noticiasmvs.com/#!/noticias/gueros-del-mexicano-ruizpalacios-gana-premio-por-opera-prima-en-berlinale-968.html

La película china 'Bai Ri Yan Huo' ('Carbón negro, hielo fino') se lleva el Oso de Oro de la Berlinale (Trailer)

La película china 'Bai Ri Yan Huo' ('Carbón negro, hielo fino') del director Diao Yinan ha sido la ganadora del Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

Fallece Shirley Temple, de niña prodigio del cine de los 1930s a embajadora en la ONU y diplomática

La actriz Shirley Temple murió la noche del lunes a los 85 años por causas naturales, informó una portavoz de su familia en un comunicado.

Temple, estrella infantil de Hollywood en la década de 1930 durante la Gran Depresión y luego diplomática estadounidense, falleció en su hogar en California a las 10.57 hora local (0657 GMT) rodeada de su familia, detalló el martes el comunicado.

La actriz estadounidense inició una carrera diplomática en el extranjero: fue delegada de EU ante la Organización de las Naciones Unidas desde 1969 hasta 1974, fue embajadora de su país en Ghana desde 1974 hasta 1976 y embajadora en Checoslovaquia de 1989 a 1992.

"Le rendimos homenaje por una vida de destacados logros como actriz, diplomática y lo más importante, como nuestra amada madre, abuela, bisabuela y adorada esposa", agregó.

Shirley Jane Temple (n. Santa Mónica, 23 de abril de 1928 - 11 de febrero de 2014), también conocida (por su segundo matrimonio) como Shirley Temple Black, era una actriz y diplomática estadounidense que apareció a edad infantil en importantes películas de principios de la década de 1930. Considerada una niña prodigio por su habilidad como actriz y bailarina, su fama declinó al entrar en la adolescencia aunque siguió activa en el cine hasta finales de la década de 1940.

Nacida en una familia de clase media asentada en el estado de California, estudió desde su niñez teatro, canto y danzas en diversos institutos. A sus tres años de edad fue elegida para actuar en diversos cortometrajes para la empresa Educational Pictures y, luego, hacer breves apariciones en largometrajes como Carolina y As the Earth Turns, en papeles no acreditados. 

Su primer papel protagónico lo obtuvo en 1934 en Bright Eyes, que la consagró. Entre las producciones más destacadas que actuó siendo niña destacan The Little Colonel,Curly Top, Wee Willie Winkie, Heidi, A Little Princess, The Bachelor and the Bobby-Soxer y Fort Apache, todas estrenadas durante las décadas de 1930 y 1940. Fue dirigida por cineastas como David Butler, Walter Lang o John Ford e incursionó activamente en los géneros tanto dramáticos como cómicos hasta su retiro del cine, en 1949.

de

Homenaje en los Screen Actors Guild Awards 2006

Temple también actuó en televisión conduciendo programas propios y haciendo apariciones como invitada hasta mediados de las décadas de 1960. Posteriormente se dedicó a la diplomacia.

http://lta.reuters.com/article/entertainmentNews/idLTASIEA1A01620140211

http://mexico.cnn.com/entretenimiento/2014/02/11/muere-shirley-temple-la-nina-prodigio-de-hollywood

http://es.wikipedia.org/wiki/Shirley_Temple

"Nymphomaniac", filme del controvertido Lars Von Trier, se presentó en Berlín

El primer volumen de la película "Nymphomaniac" de Lars von Trier, protagonizada por Charlotte Gainsbourg y que ganó notoriedad por contener varias escenas de sexo explícito, en su versión más extensa fue presentado en el festival de cine de la capital alemana.

La cinta está divida internamente en varios capítulos a través de los cuales una madura Joe, interpretada por Gainsburg, narra su vida a Seligman (Stellan Skarsgård), una existencia marcada por la ninfomanía.

Estos recuerdos, en los que Stacy Martin encarna a la joven Joe, comienzan desde la infancia de la protagonista y relatan además de sus inicios en el mundo del sexo, la relación familiar en la que destaca la figura del padre, encarnado por Christian Slater, frente a la frialdad de la madre. 

Así, se genera una conversación en la que se combinan la cruda historia de Joe, junto a los intentos del personaje de Skarsgård, por no moralizar sobre las aventuras sexuales de Joe al tiempo que trata de buscar paralelismos entre el modo de conseguir hombres de aquella y su propio modo de pescar. 

Un punto aparte merece la actuación de Uma Thurman que, en su papel de esposa abandonada por uno de los múltiples amantes de la protagonista, crea uno de los momentos más aplaudidos por el público asistente. 

En el encuentro con los periodistas, al que no asistieron ni el director ni Gainsbourg, estuvieron presentes Skarsgård, Thurman Martin, Slater así como Shia Lebouf que abandonó la sala en medio de la conferencia sin dar explicaciones a los allí presentes. 

Durante la rueda de prensa, además de los actores, buena parte de la atención la centró la productora, Louise Vesth, preguntada repetidas veces por la doble dificultad que representó hacer una película con el polémico Triers y con una carga sexual tan explícita. 

"Él ha hecho lo que ha querido hasta ahora y ese es el modo en que continuará. Por supuesto que el tema sexual lo hizo algo más complicado a causa de las leyes para el público en la que el sexo tiene más trabas que la violencia" explicó la encargada de la productora. 

Vesth también opinó que esta versión más extensa aporta una visión más profunda sobre las problemáticas tratadas por Trier, además de incluir escenas de sexo "más explicitas". 

Por su parte, los actores alabaron el modo de dirigir del realizador danés y descartaron la idea de que trabajar con Trier sea más problemático que con otros directores. 

"Trabajé con el muchas veces, y no creo que sea muy desafiante, es un director fácil y te diviertes mucho con él" incidió Skarsgård que también coincidió con Trier en películas como "Melacholia" o "Dogville". 

"Me encantó fue una experiencia increíble, fue paciente, educado, llevando las cosas con calma lo cual es algo muy inusual en Hollywood donde las cosas se hacen muy deprisa, fue agradable estar en un set donde se tomaba un tiempo para capturar los momentos" incidió por su parte Slater. 

La joven Martin, que en este primer volumen de "Nymphomaniac" soporta el peso de las escenas sexuales más crudas manifestó que "no estaba nerviosa" ante la perspectiva de afrontar un rodaje de esas características, ya que la historia "brillaba" con luz propia. 

"Me divertí haciendo 'Nymphomaniac" subrayó Martin que concluyó diciendo que ante la oportunidad que representaba este proyecto tuvo "que saltar del tren".

Fuente EFE

Publicado en:

http://www.laestrella.com.pa/online/noticias/2014/02/09/berlinale-exhibe-version-mas-extensa-nymphomaniac-197977.asp

http://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/2014/berlinale-version-extensa-nymphomanic-lars-von-986175.html

Berlinale: una mirada a lo más destacado

Cannes es más chic y Venecia más cálida. Sin embargo, todo el mundo adora a la Berlinale, donde se exhibirán alrededor de 400 películas.

Este año, la Berlinale llegará incluso a la cárcel. El 10 de febrero, Georg Nonnemacher exhibirá en la prisión de Tegel, en una pantalla móvil, su película “Raumfahrer”. 

Inicia el Festival de Cine de Berlin

BERLÍN (Reuters) - La inauguración de la 64 edición del Festival de Cine de Berlín, se estrenó con la comedia del director Wes Anderson "The Grand Budapest Hotel".

"Her", Trailer (HD) Joaquin Phoenix, Amy Adams

Más información de este filme:

http://jighinfo-cultura.blogspot.com/2014/02/ella-her-historia-de-amor-virtual-en-un.html?spref=tw

"Ella" (Her), historia de amor virtual, en un futuro no muy lejano

El director estadunidense Spike Jonze presenta una ficción sobre la transformación del amor y las relaciones personales a partir del avance de la tecnología

La tecnología ha simplificado la vida del hombre pero al mismo tiempo ha fomentado su aislamiento, a partir de la implementación de nuevos modos de convivencia, que parecen alejarlo de la realidad y vivir en un entorno virtual, como lo plantea Spike Jonze en su película Ella (2013).

Este largometraje, que figura en la cartelera de la Cineteca Nacional, ha sido premiado y nominado en múltiples festivales internacionales de cine y competirá por cinco Premios Oscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos.

Los reconocimientos, en su mayoría, se deben a la dirección y escritura del guión, fruto de la inspiración del también director de títulos como ¿Quieres ser John Malkovich? (1999) y El ladrón de orquídeas (2002), quien en esta ocasión nuevamente recurre a la ficción para contar una historia de amor totalmente fuera de lo convencional, entre Theodore Twombly (Joaquín Phoenix) y su sistema operativo de nombre Samantha (Scarlett Johansson).

Una de las características por las que se dice que el filme cuenta con un gran guión es porque el sustento de esta trama se basa en los diálogos entre los dos personajes protagónicos, uno de ellos interpretado únicamente a través de la voz de Johansson, quien por este trabajo recibió de la Asociación de Críticos de Cine de Austin el reconocimiento y mención especial por “su excepcional interpretación de una voz”.

Igualmente Phoenix hace gala de una extraordinaria actuación al interpretar al desangelado, solitario y taciturno Theo, quien parece tener una existencia plana e insignificante, ensombrecida constantemente por los recuerdos de su ex esposa Catherine, de quien aún no se divorcia y se encuentra separado.

En esta historia Jonze describe una simple historia de amor, con todos sus altibajos, el enamoramiento pleno, la emoción y el posterior decaimiento de la relación hasta su ruptura. Pero de manera inteligente le añade la complejidad de las circunstancias que enfrenta la pareja en situaciones divertidas e irónicas, como las dificultades que les significa el que ella no tenga un cuerpo y las posibilidades que buscan para sustituirlo.

El realizador plantea algo más allá que una historia de amor y sutilmente presenta al espectador un conflicto adicional, el de la dependencia de las personas hacia otros seres y la necesidad de una pareja, así como lo difícil que puede resultar encontrar a un ser compatible.

Una ficción futurista plagada de frases sobre el amor y las diversas formas de visualizarlo, y enfrentarse a sus retos. Una visión de cómo se han transformado las relaciones humanas, a partir de la tecnología y lo que se podría esperar en un futuro no muy lejano.

La fotografía de Hoyte Van Hoytema nos presenta un colorido y cálido mundo onírico y futurista, en el que los colores son más vivos, las luces predominan en el ambiente, las computadoras y las figuras en láser o en tercera dimensión son parte de la cotidianeidad, pero sin caer en los excesos. Ella muestra un mundo parecido al actual, que incluso, podría llegar en muy poco tiempo.

La cinta se proyecta en la Cineteca Nacional durante las siguientes semanas en diversos horarios y salas, que se pueden consultar en:

http://www.cinetecanacional.net/controlador.php?opcion=carteleraDia

El legado cinematográfico de un actor, Philip Seymour Hoffman

Distinguído como uno de los mejores actores de su generación, Philip Seymour Hoffman fallece dejando un legado cinematográfico enmarcado por su talento actoral el cual lo impulsó a trabajar con los mejores directores de la industria del cine.

4 nominaciones al Premio de la Academia, 4 a los Globos de Oro , 5 al BAFTA; en los 3 ganó el premio al mejor actor por su papel como el controverial escritor Truman Capote. Sumando un total de 73 premios y otras 54 nominaciones en festivales alrededor del mundo.

Sus actuaciones fueron en películas realizadas por los grandes estudios como en cine independiente, algunos títulos son:

Proyecta Cineteca Nacional documentales de fundación World Cinema Project, de Martin Scorsese

La sección Retrospectiva, de la gira de documentales Ambulante, presenta materiales fílmicos recuperados y restaurados por la fundación de Martin Scorsese.

Su sede principal es el complejo Cinematográfico de Conaculta, del 31 de enero al 13 de febrero. Abre el ciclo con el documental Trances de Ahmed El Maanouni.

Con la proyección del documental Trances (1981), del director Ahmed El Maanouni, dio inicio en la Cineteca Nacional la sección Retrospectiva de la gira de documentales Ambulante, que dedica este fragmento del festival a la fundación World Cinema Project, formada por el gran cineasta Martin Scorsese, que se dedica al rescate y restauración de obras cinematográficas olvidadas alrededor del mundo.

Durante el arranque de esta sección de la novena edición de Ambulante, que se realiza del 31 de enero al 13 de febrero en el Distrito Federal, estuvo presente el realizador Ahmed El Maanouni, en compañía del director artístico de la fundación Kent Jones, también director del Festival de Cine de Nueva York; y la consultora de la misma institución, Bruni Burres, quien también forma parte del Programa de Documental del Instituto Sundance.

Al término de la proyección los tres invitados inauguraron esta sección que tiene como sede el complejo cinematográfico de Conaculta, donde se proyectarán los nueve títulos que conforman el programa de Retrospectiva.

Kent Jones explicó que la asociación invitada se ha convertido en un importante centro de rescate del patrimonio fílmico de la humanidad, por lo que resulta muy significativo que se les incluya en un festival de documentales tan importante para México. Sobre todo porque los trabajos que se proyectarán en este contexto son ficciones, más que documentales, pero es muy importante dar a conocer el acervo conformado por obras internacionales.

Al término de la proyección, el director del filme inaugural charló con el público sobre Trances, el único documental de esta sección filmado en 1981 en Marruecos, sobre el grupo musical Nass El Ghiwane, que entre los años sesenta y ochenta, fue una de las agrupaciones con mayor influencia social en casi toda la región árabe.

El realizador explicó que se trata de una legendaria agrupación pacifista que sigue considerándose hasta hoy como una de las más influyentes musicalmente, debido a que en sus canciones recuperaron el lenguaje y los ritmos tradicionales, para mezclarlos con letras con las cuales se identifica toda la nación.

“Sueños de libertad, justicia y esperanza son algunos de los temas que tocaron el alma del mundo árabe, pues con sus letras expresaban el sentir de las mayorías y fue eso lo que los convirtió en leyenda”, expresó el cineasta.

El documental nos muestra las presentaciones del grupo, que se realizaban a partir de la estética del Trance, una tradición a partir de la cual el alma y el cuerpo se unen a través del dolor, pues se cree que la vida no puede ser sólo placer, sino que la máxima expresión también se alcanza a través del dolor, por lo que sus presentaciones eran más un acto de teatro ritual que musical.

Ahmed El Maanouni dijo que al realizar sus trabajos documentales no le gusta imponer reglas ni caminos específicos: “prefiero dejar que la existencia de los propios involucrados se plasme, para que cada elemento exista por cuenta propia y así generar la empatía del espectador con las ideas y el sentir de los actores".

Un ejemplo de ello es este concierto-documental, en el que cada presentación se va transformando de acuerdo con el público y los caminos de cada ritual, lo cual permite que los espectadores entiendan cuan emotivos resultaban los espectáculos en vivo de la banda.

Asimismo, Trances incluye escenas de la pobreza de los territorios que recorría la agrupación musical, que además fue el entorno en que crecieron los integrantes. Por ello, reconoció Maanouni, a pesar de que llegaron a ser muy famosos y reconocidos, ellos nunca perdieron la sencillez y en cada lugar donde se presentaban, convivían con las comunidades y compartían su pobreza.

Además de las escenas de algunos rituales, ceremonias, barrios y poblados marroquíes, también incluye material de archivo en el que se muestran escenas de guerras y opresión militar, como la guerra de independencia de Argelia. En conjunto este largometraje documental es un concierto ritual, dedicado al sueño de libertad, paz y justicia del pueblo del Reino de Marruecos.

Dentro de este ciclo también se proyectan los filmes: Limite (1931), de Mário Peixoto, Brasil; Redes (1934), de Fred Zinnemann y Emilio Gómez Muriel, México; Kalpana (1948), de Uday Shankar, India; La momia (1969), de Shadi Abdel Salam, Egipto; Touki Bouki (1973), de Djibril Diop Mambéty, Senegal; Manila en las garras de la luz (1975), de Lino Brocka, Filipinas; Venganza (1989), de Ermek Shinarbaev, Unión Soviética, y Objetivo misterioso a medio día (2000), de Apichatpog Weersethakul, Tailandia.

Trances se proyecta nuevamente el martes 4 de febrero en la Cineteca Nacional. Consultar horarios en:

http://www.cinetecanacional.net/php/cartelera_ciclos.php?Tit=World%20Cinema%20Project.%20Historias%20olvidadas%20por%20el%20cine&ClvCic=1857

www.cinetecanacional.net

Imagen del Día: Las Caras de un actor, Philip Seymour Hoffman (Galería)

"The Master" se estrena en México

El filme estadounidense "The master", dirigido por Paul Thomas Anderson y nominado al Oscar 2013 en las categorías de Mejor Actor (Joaquin Phoenix), Mejor Actor Secundario (Philip Seymour Hoffman) y Mejor Actriz Secundaria (Amy Adams) se exhibe a partir de hoy en las salas de cine de esta capital.

Nominados a los premios "Cesar" de la academia francesa, "Gravity" de Cuaron, nominada

UNDER THE SKIN Trailer Scarlett Johansson 2014

'Under the skin', la nueva película de ciencia ficción del aclamado director de videoclips Jonathan Glazer (Massive Attack, Radiohead o Blur), presentada en la sección oficial de la pasada Mostra de Venecia. 

Estrena la Cineteca Nacional el filme "Una joven y bella esposa" (Hitpartzut X) (Trailer)

La película del director israelí Eitan Tzur se exhibe en la Cineteca Nacional.

Los celos y las decepciones amorosas pueden hacer perder la cordura y la elocuencia, causar dolor y rabia, y hasta en la persona más estable, perder el control de la vida y sus emociones; son éstas las circunstancias en las que sustentan el argumento que nos ofrece el director israelí Eitan Tzur en su película Una joven y bella esposa (2010), que forma parte de la cartelera de la Cineteca Nacional.

Se trata del primer largometraje de este director, mayormente conocido por su trabajo para la televisión de su país, y quien debutó en el cine con este drama ficción sobre la diferencia de edades en una relación amorosa y sus complicaciones.

Detalles IMDB: http://www.imdb.com/title/tt1666165/combined

http://www.cinetecanacional.net/controlador.php?opcion=carteleraDia

Foto del Día: Nicole Kidman (Galería)

Fotografás evocando al personaje que Nicole Kidman interpreta en su nueva película, Grace Kelly; realizado para la revista Vanity Fair de diciembre 2013.

Enero 27, Conmemoración del Holocausto: Películas sobre el Holocausto

El Holocausto no solo se refiere a la persecución judía durante la segunda guerra mundial, realizada por el regimen NAZI, sino a la de todas las etnias que representaban un "peligro" para la Alemania de Adolfo Hitler.

La lista proporcionada por MUBI, comunidad cinematográfica es una representación del trabajo realizdo por la industria del cine en todo el mundo desde los años de la guerra hasta el día de hoy para mostrar el horror vivido en Europa desde que Hitler asume el poder en Alemania. 

Cuarón gana el premio del Sindicato de Directores por Gravity

El director mexicano Alfonso Cuarón ha ganado el premio como Mejor Director en la entrega anual de galardones del Sindicato de Directores con 'Gravity', sumando así puntos para su carrera hacia los Oscar.

Este premio a Mejor Director es el primero que recibe Cuarón y está considerado como un gran indicador de quien podría ganar la estatuilla en los Oscar. De hecho, el Sindicato de Directores ha predecido la mejor película para los Oscar en nueve ocasiones durante los últimos diez años.

"Es un honor, ser reconocido por mis compañeros" dijo Cuaron, al aceptar su premio en la ceremonia que se celebró en Los Angeles.

El drama ambientado en el espacio dirigido por Cuaron también ganó un premio en conjunto con '12 Años de Esclavitud' en el Sindicato de Productores la semana pasada, en un raro empate.

Desde 1948, tan sólo en siete ocasiones el premio del Sindicato de Directores no ha sido para el correspondiente ganador del Oscar de la Academia. El año pasado, Ben Affleck gano el galardón en el Sindicato de Directores por 'Argo', sin embargo la estatuilla dorada fue para Ang Lee (por 'La vida de Pi') ya que Affleck no estaba nominado.

Vince Gilligan, creador de la serie de televisión 'Breaking Bad', también ganó el premio a mejor director de serie dramática.

Fuente:

http://www.europapress.es/cultura/cine-00128/noticia-cuaron-gana-premio-sindicato-directores-gravity-20140126102352.html

In The Fog (Trailer)

In the Fog (En la niebla), un filme sobre la traición y el egoísmo en la guerra

Nominada a la Palma de Oro y ganadora del Premio FIPRESCI en Cannes, la película se exhibe en la Cineteca Nacional

En su pieza, el director ruso Serguéi Loznitsa plantea la transformación de las personas, a partir de la traición y la guerra

Una de las peores cosas que le sucede a la humanidad son las guerras, no solo por la muerte y devastación que provocan, sino por los efectos sociales y psicológicos en los individuos como la desconfianza y el egoísmo; así lo plantea el director ruso Serguéi Loznitsa en el filme.